Jonathan Anderson个人品牌JW Anderson最新一季2026春夏系列 。

“过度”，曾一直是伴随时尚的标签，过度生产、过度营销、信息超载……但所幸，当下时尚界正在经历一场追求内里的理性回归，一种以“减法”为核心的全新叙事正在形成。

往通俗了讲，时尚无非是为人制衣，而着装又是为了融入真实的生活。在此框架下，一些品牌正脱离所谓的“季节性”限制，重新回归线下，回归与顾客、与现实世界的对话。其中，以“神秘感”著称的设计大师Phoebe Philo开启先河，历经两年多时间的等待后，其个人同名品牌的首个系列终于问世，并按字母表顺序命名。

在上任Celine创意总监的首秀发布采访中，她曾说过：“对我来说，构思一个完整的衣橱理念要比追逐潮流好得多。我努力创造经得起时间考验的作品。”事实上也确实如此——其个人同名品牌始终坚持不按照传统时装季节发布，放弃大成本的广告制作与社交媒体营销，将全部重心置于与顾客直接对话，在官方电商网站销售之外还与多家多品牌精品店达成合作。今年7月，Phoebe Philo已发布至第四季“D”系列，大获成功，并将在伦敦梅菲尔区卡洛斯广场开设首家实体门店。

Phoebe Philo新季“Collection D”。

在Jonathan Anderson接管Dior后，其个人同名设计师品牌J.W. Anderson迎来重塑，并以“生活方式品牌”的全新形式亮相，重点关注艺术、工艺、配饰和家居用品。品牌从原本单纯的时装品牌转型为一个充斥着琳琅满目的收藏品的“珍奇柜”，服装摆脱了季节标签与营销话术，纯粹通过面料质感和结构剪裁与消费者对话。该转型策略的本质便是剔除了一切浅显的干扰项，让产品本身的价值成为唯一焦点，简化的销售流程与艺术感的线下选购空间，都重新定义了品牌与顾客之间的关联，从而在两者之间建立起一种基于真实体验而生的信任感。

与之类似，Christophe Lemaire与Sarah-Linh Tran二人主导的Lemaire也在力图呈现服装的真实感。二人在设计上剥离了多余装饰与季节性标签，通过回归日常场景完成设计语言的提纯，始终专注于面料质感与实用主义廓形。即便是在崇尚戏剧性的秀场舞台，模特也常以自然姿态漫步，不带有过多的表演之嫌，重现街头漫步的真实氛围。这种对日常性的坚持，让设计真正服务于人们的生活，少了些矫饰，多了几分得体与从容。在Lemaire的世界中，服装不再是被仰望的奇观，而与身体一同融入生活。

Lemaire 2026春夏系列，摄影师为Pascal Gambarte。

Olivier Theyskens推出的全新品牌Boloria首期n°01视觉概念大片，摄影师为Willy Vanderperre。

不止秀场，广告形象片也足以展现减法的良效。

今年9月，比利时设计师Olivier Theyskens带着全新品牌Boloria重返时尚视野。从近期公布的一组视觉形象片中可以看出，他摒弃了源自比利时设计中惯用的先锋概念叙事，而是仅以一组身着新装的人物肖像作为新系列宣言——画面中没有任何场景与装饰，服装在平静面容与自然姿态中真实呈现，极致的简化剥离了高级时尚常有的距离感，让设计回归供人穿着的本质。在Boloria的概念中，衣服恍若成为时尚与人之间最为真诚质朴的联结。

Olivier Theyskens推出的全新品牌Boloria首期n°01人物肖像形象广告，摄影师为Willy Vanderperre。

同样地，Courrèges艺术总监Nicolas Di Felice也在广告片视觉上践行了这一理念，从早期秀场的极简几何空间，到人像的弱化，再到人像的彻底消失——仅以纽约艺术家Dan Colen的五彩纸屑呈现，愈发简洁的“留白”带有一种简单而激进的力量，完美诠释了“时尚过度”的反面，只有内在的专注与真诚，才足以将品牌的外在转化为可被观众感知的温度，而品牌真正的价值也从其中缓缓浮现。

《LOEWE ISSUE 9》品牌杂志内页。

不可否认，当下的技术革命正将时尚推向一个未知的世界，我们无法评断其结果好坏，但与迅捷伴随的是疏离感和千篇一律的既视感，而以往经由工匠之手花费大量时间制作而成的独特纹理与温润触感正消失不见。这或许也是时尚界之所以强调手工艺的部分原因，手工意味着独一无二的质感和温度，既是一种慢工艺的传承，又是一份无法复制的价值观宣言，更是创作者们内在的沉思与探索的生命力展现。

提及时尚界的“工艺”，我们总会首先想到Loewe，这个在前任总监Jonathan Anderson手中彻底焕发手工艺光芒的西班牙奢侈品牌。在新总监二人组Jack McCollough与Lazaro Hernandez的接管下，Loewe的工艺之魂再度开启新生。作为总监首秀的灵感补充，品牌近日正式发布第九辑杂志，以精湛工艺、无限想象和跨界合作为主题，深度探索了英国艺术家Louis Wain的谐趣横生的猫咪世界，以庆祝节日季的到来。那些粗糙的釉面、不规则的形态，正是对工业化完美形态的温和反抗；而致敬Wain的跨界合作，也恰恰实现了创作上的回归，从机械的冰冷到拥抱手工的诗意与偶然，让物品在“不完美”中展现出更深层次的生命力。

英国艺术家Louis Wain创作的猫咪系列作品。

Loewe受英国艺术家Louis Wain创作的猫咪作品的启发，推出的一季假日胶囊系列。

时尚界还有另一位大师也对这种“未完成美学”着迷：Rei Kawakubo。

在将COMME des GARÇONS的创作世界中，Kawakubo将日本手工艺中珍视的“不完美”哲学融入每一处手工细节——那些看似随意的抓褶、刻意保留的布边与手工缝制的痕迹，都不是对当下潮流的回应，而是与内在自我的深度对话。她彻底摒弃了对主流趋势的追随，转而让服装成为个人思想的载体，将那些深刻的身份议题伴着手作的温度与大量的时间投入缝进每一件作品中，展现出机器生产无法复制的深度与广度。

COMME des GARÇONS 2026春夏系列，摄影师为Armando Grillo。

反观国内，中国设计师Uma Wang也是不容忽视的存在。她通过面料的丰富层次和色彩，完成了一次次内省式的创作实践。

她的作品呈现出强烈的手工感——无论是手工染色的微妙层次，还是经久打磨的织物肌理，带有一种意蕴悠长的山水画质感。而品牌近期在上海Maison Uma Wang空间中展出的艺术家韩健的个展“我还有一片花园”，则进一步揭示出Uma Wang的创作本质及其对日常之物流露出的浓厚情感。如同韩健作品中描绘的熟悉而又陌生的日常器物，Uma Wang也将服装诠释为穿着者内在情感的延伸。

Uma Wang 2026春夏男装系列，摄影师为Ale Andros Tinellis。

在上一季2025秋冬时装周上，也有一个新兴的年轻设计师品牌Paolo Carzana凭借显著的慢工艺获得了众多关注。

出生于威尔士的同名设计师硕士毕业于圣马丁时尚文学专业，于2022年推出同名品牌。与其他大多数的设计师品牌不同的是，Carzana拒绝传统时装的工厂生产模式，而对手工制作服装近乎痴迷，同时会使用植物基、天然染料、香料等可回收再利用材料对服装进行染色处理，整个过程几乎不会使用工业缝纫机，大多通过手工披覆、缠绕以及手绘等方式进行创作。

Paolo Carzana 2026春夏系列，摄影师为Jake Evans。

从上一季秋冬至本季春夏系列，Paolo Carzana始终坚持着极小批量的生产模式，最多不过20套，与当下时尚界的大批量机器生产形成鲜明对比。这种极度个人化的创作方式，不仅是对时尚生产体系的反抗，更是一种充满诗意的生活方式宣言。而这些带着人性温度、手工痕迹与微小“瑕疵”的衣物，也不再是一件单纯的商品，而成为连接设计与人性、物质与情感的温暖媒介。在一次次的触摸与穿着中，传递着最原始的情感慰藉。

Jil Sander 2026春夏系列，摄影师为Takashi Homma。

对创作者而言，创作环境绝非仅仅是一处物理意义上的空间，它更直接塑造着创作者的思维路径与美学内核。当外部世界愈发喧嚣时，那些为内心保留的角落，反而成为孕育独特风格的源泉。在某种程度上，外在空间其实是创作者内心世界的投射——于内，是一处自省的庇护所；于外，更是连接自我与外部世界的沟通桥梁，从而让作品呈现出兼具私密与真实的独特性和情感浓度。

时尚设计师更是受其创作环境影响颇深。最为人熟知的，Yohji Yamamoto多次在媒体采访中将其个人工作室定义为“创意避风港”——这个满是布料与纸张的寂静空间足以使他抵抗外部世界的喧嚣与浮躁。

在这里，他可以完全沉浸于制作衣服，与面料对话，从布料自然悬垂的偶然性中发掘美感。而在这种环境下塑造的设计思维，则直接外化为他那标志性的不对称剪裁、挑战西方传统的东方剪裁、与日本传统工艺和美学一脉相承的空间感和立体感。这无疑也与日本侘寂哲学理念相通：在残缺、留白与布满时光印痕的器物之中找寻美的踪迹，这也让他的设计独立于时尚潮流的更迭，升华为超越时间的永恒。

Yohji Yamamoto 2026春夏系列。

虽然John Galliano和Alessandro Michele两位设计大师的风格在表象上呈现出极致的奢华，但其源自古典主义的繁复风格同样与其审美及创作环境密不可分。

在2021年Galliano任职Maison Margiela与2023年Michele离开Gucci之际，《Vogue》分别拜访了两位设计师的居所——前者位于法国北部，后者位于罗马市中心——也是二位的灵感来源之地。在外人看来，这一居所更像是一间堆满古董、艺术品与古怪收藏的“珍奇屋”，但对二人来说，其居所实则是灵感充沛的启蒙之地。在这私密的、远离喧嚣的空间中进行长时间的思考与创作，让他们得以构建完整、统一而高度自洽的美学宇宙，他们所设计的衣服成为每一件装饰、每一本书的延伸，那些看似外放、狂热的呈现，本质上仍是对内心世界的忠实还原，这与外部世界的潮流无关。

上图：John Galliano位于法国北部杰尔贝鲁瓦乡村的居所，摄影师为Fran.ois Halard。

下图：Alessandro Michele位于罗马市中心的斯卡普奇宫，摄影师为Fran.ois Halard。

另外，著名的“时尚园丁”Dries Van Noten，其设计中丰富的印花与精致的刺绣，皆来源于在安特卫普精心耕耘的后花园；经常漫步于纽约街头的Coach现任总监Stuart Vevers，其将纽约都市的现代活力与实用主义完美融合的摩登美学同样源自这座城市给予的养分。还有Jil Sander新任创意总监SimoneBellotti，虽为意大利朱萨诺人，但其将对德国汉堡的情感通过与意大利电子音乐家Bochum Welt合作的音乐项目“Wanderlust”完美呈现，将汉堡的城市、自然、环境、氛围内化为首秀中所精准捕捉的Jil Sander 20世纪90年代极简主义美学的设计灵感。看似是关于音乐的创作，实则是设计师通过声音的媒介对品牌精神和音乐传统的深度溯源，让衣物成为承载城市记忆与个人情感的温暖容器。

从上至下分别为：Dries Van Noten 2026春夏系列；Jil Sander与意大利电子音乐家Bochum Welt合作的音乐项目“Wanderlust”；Coach 2026春夏系列。

虽然创作环境与美学语言各不相同，但却揭示出一个共同的理念：设计师对创作环境的深度感知与内化，都将空间变成了一个内心自我与外部世界的缓冲地带，令其可以在嘈杂声音中辨明本我，将最本真、最真诚的创意转化为打动观众的、具有灵魂的设计作品。

在这个充斥着不同声音、信息超载的世界中，或许唯有守护内心的自我时刻，才足以创作出具有辨识度与情感厚度的真诚作品。

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撰文/Consen Shie

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