这10年的变革和发展，指的是中国的时尚设计慢慢从个体性、偶发性的表达，转变为了一个成体系的产业。许多此前未曾出现或者鲜少出现在中国时尚行业里的事物，在过去10年间都不断涌现并发展壮大。

于2014年创立个人品牌ANGEL CHEN的设计师陈安琪就回忆到，当她发布个人第一场秀后，面对洛杉矶知名买手想要为她的设计做一个Showroom的邀约，她心里想的却是“什么是Showroom？”在彼时国内的时装环境里，Showroom这个用于给设计师们集体订货和交流的平台依旧很稀少。消费市场亦是如此，不仅购买中国设计师作品的消费者并不多，服务于设计师品牌的买手店同样屈指可数。“我记得2015年的时候，国内没有几家买手店。”SHUSHU/TONG创始人之一的雷留树说道。当时能够叫得上名字的买手店几乎用一双手就可以数得过来，除了北京的栋梁和上海的长作栋梁（如今的Labelhood），还有ALTER、Triple-Major和如今已经关门许久的薄荷糯米葱。

面对这样一片还未被开发出潜力的时尚土壤，许多成长于互联网时代，并在海外接受了系统时装教育的设计师们纷纷回国，用他们在国外的见闻和在大品牌的实习与工作经验创立了自己的品牌，传递自己的时尚表达。与此同时，许多如今已经在中国时尚产业里扮演重要角色的平台也在2015年前后纷纷成立。譬如Labelhood，这个先锋时装艺术节在2015年成立后就不断地发展壮大，成为了上海时装周为新锐设计师展示自己的重要平台，并在近年来转变为集发布、零售、Showroom和内容于一体的完整平台。

第20季Labelhood蕾虎先锋时装艺术节

在创始人Tasha看来，创立Labelhood的理由其实很简单：“我们想为中国年轻设计师一个更自由的空间，一个能打破传统时装周框架、用自己的节奏去表达创意的舞台。”但随着越来越多的年轻设计师的加入，属于中国设计师的生意也越做越大，Tasha意识到光有舞台也不够，设计师们仍需要更系统性地支持，帮助他们将时装表达转化为一个可以真实运营下去的生意。“所以这一切的发展，一直有个重要的推动，一部分来自社群，一部分来自消费者的需求。因为我们最接近消费者，我们知道随着他们对设计师日益增加的需求，哪个环节是最需要通过我们的去完善，然后完善设计师的能力，进而去匹配甚至引领他们的诉求。”

Zhuu Da. 2026春夏展示空间 in Tube Showroom

除了提供Showroom，帮助孵化设计师品牌以及将设计师的作品放入买手店里进行销售之外，Tasha和团队还会与设计师品牌进行深度合作，帮助他们进行线上品牌旗舰店和线下零售空间的运营。譬如Labelhood就为SHUSHU/TONG在2022年于锦沧文华开设了首家线下旗舰店，这家店铺此后成为了许多海外博主和时尚爱好者必打卡的地标。

Tube Showroom也在今年迎来了创立十周年。创始人Zemira此前曾在某奢侈品牌工作，之后加入了由Carla Sozzani创办的精品买手店10 Corso Como，“Carla Sozzani给了我非常多的影响，所以想要和她一样成立一个能够帮助很有才华的设计师获得更大商业成长可能的平台。”她如此说道。

Tube Showromm

于是，Zemira在上海成立了自己的公关公司DIA Creative Communications，希望用自己的经验来帮助中国设计师们成长。但她很快发现，如果没有足够的渠道，公关所能够产生的助力也非常有限，所以就创立了Tube Showroom。与许多如今在中国时尚行业扮演重要角色的设计师品牌，包括SHUSHU/TONG、XU ZHI、JACQUES WEI、STAFFONLY、GARÇON BY GARÇON展开了长期的深度合作，不仅为其提供Showroom的服务，同样为其在媒体宣传和线下活动提供创意策划。与其说Tube是一个Showroom，Zemira认为它更像是许多时装设计师的“家”。她和同事们更像是帮助设计师品牌共同成长的助力伙伴，他们会从品牌策略、商品计划等方面，从设计师核心的部分开始规划。“Showroom只是一个最终的呈现形式而已。”她如此说道。

Tube Showroom 2026春夏现场

Labelhood特别展：20季·文化在场

10年里，Tube以Showroom为基准，展开了许多突破传统零售的尝试。譬如Tube曾为每一季的Showroom举办开幕夜活动，让媒体和买手们与设计师们展开更具互动性的创意交流。2023年，他们还在上海新天地尝试了零售项目DIA Underground，以街区形式来呈现每个设计师品牌的独特性。

在这些创意力量的助力下，中国时尚在过去10年获得了飞速的发展。正如设计师王逢陈所说：“我觉得这10年最大的变化，是‘土壤’变得更肥沃了。10年前，独立设计师品牌还在寻找被看见的渠道，而现在，整个生态都在向创意靠拢—从供应链、媒体到消费者，都在学习如何与设计对话。”

与中国设计对话的不止是国内媒体，同样也有国际媒体。“它意味着中国时尚正在被世界认真倾听。我们不再以‘被报道’为目的，而是在‘建立对话’。”面对近年来国际媒体纷纷报道上海时装周报道的现象，Tasha如此说道，“比如今年Labelhood与《A Magazine Curated By》合作的展览，就是一次真正平等的文化交流。我们用展览的形式让24位中国设计师与国际先锋设计师的声音同台，让世界看到中国设计的深度与温度。”

在高速发展的同时，中国设计师和时尚从业者们也对整个行业有了进一步的思考。设计师们开始思考自己与中国时尚之间的关系，也开始思考如何从发布时装作品，转向为塑造品牌文化，并将个人叙事凝练成一个可被传播、推广和消费的文化符号。

在Tasha看来，10年前的设计师更多是在“寻找自我”，在文化与身份中找自己的位置。如今，他们开始“建立体系”，能够自洽地讲述品牌叙事，也更务实地面对市场。中国设计不再只是“被看见”的对象，而是主动建构自身语境的创造者。或者用她的话来说，那就是如今的中国时尚“更自信、更自洽，也更务实”了。

越来越多的设计师开始主动探索自己与市场之间的关系。“我觉得由于网络发达了，产品的同质性也变得更强了，确实很难有新产品再能击中消费者的内心。”陈安琪如此说道，“在这个现象之下，我们需要以更加用心的方式来对待产品。”由于市场规模的扩大和竞争的逐渐激烈，设计师们在解决了“被看见”的问题之后，也需要去寻找到属于自己的位置。“现在（不同风格消费的人群）赛道也变得更加细分了，”陈安琪继续补充道，“尽管设计师品牌依旧比较小众，但每一个不同风格的设计师抓准自己的对标赛道去深耕，依然可以做得很好。”

在这种思考下，我们看到许多设计师将个人品牌的符号以一种更易懂、更易于接受的方式呈现。设计师陈序之将品牌XU ZHI标志性的工艺手法以更轻松、当代的时装诠释；STAFFONLY的Une Yea和师墨让“制服”变成了一种彰显自我个性的符号。我们也可以看到许多设计师将品牌变得成熟的同时，还通过拓展品类使品牌形象更加完整。SHUSHU/TONG的设计师雷留树与蒋雨彤就告诉我们，品牌从以前可能只用几种面料去打造一个时装系列，如今已拓展到在一个系列里会出现将近30种不同的面料，并开发出了鞋履、手袋等品类。

此外，当下的中国设计师们在创作表达上也开始越来越多地追溯自己的文化身份，并展现整个中国青年群体的形象。“比如GARÇON BY GARÇON每一季都会以某个中国的城镇文化线索展开，以更当代的视角来呈现中国传统文化故事。”Zemira如此说道。对于成熟的时装创作者来说，这种对自我文化的追溯以及对自我定位的思考同样得到了体现。譬如陈安琪在经历了品牌爆发式的发展之后，选择放缓过快的发展速度，通过“游牧”的形式再度与自己的文化产生紧密的连结，并将此转化为更坚定的时尚表达。王逢陈则从自己的成长经历为切入点，将与自己记忆紧密相连的陶瓷、竹筒等元素转化为更具当代性的设计。杨桂东则以时装为媒介，展现出他对东西方文化交融的独特视角。

“ 我们对于设计师品牌的需求也完成了转变。”Tasha认为中国时尚如今不需要新设计师品牌在数量上堆叠，而是需要这些新生力量在思考方式上的革新。“新的品牌不一定意味着更多的衣服，而是更多的视角与思维。” Zemira也表达了相似的观点，“我们能感受到当下消费者的诉求不再只是标签或者爆款，而开始寻求更有自我表达的服装品牌。大家对于时装的态度也转变为追求更有情绪价值的共鸣。许多买手店在我们这里采购时也会和我们分享，比如穿上AUBRUINO、GARÇON BY GARÇON的衣服就感受到很快乐，穿着AO YES去欧洲旅行能感受到华人的骄傲等，用心的设计是能够传递出能量的。”

在这一变革和思考中，中国时尚于世界范围内越发有力量。“我觉得这10年最能代表中国创意力量的不是某个品牌，而是一种精神，是一群始终坚持自我、相信创意有意义的人。他们让‘中国设计’不再是风格标签，而是一种持续生长的文化表达。”Tasha告诉我们。

在这个值得铭记的年份里，我们邀请了ANGEL CHEN、ANGUS CHIANG、CPLUS SERIES、FENG CHEN WANG、GARÇON BY GARÇON、MARK GONG、SAMUEL GUÌ YANG、SHUSHU/TONG、STAFFONLY、XU ZHI，共 10 个中国设计师品牌，通过三期特别策划，一同回顾中国设计的10年一瞬事。

正如Tasha所说，10年是一个新的开始，源自中国的创意力量，在未来会触及越来越多的人，并与越来越多的文化产生紧密连结。

陈安琪

ANGEL CHEN

对于陈安琪来说，ANGEL CHEN的10年，是她从被看见、迷失、又在文化游牧中重新找到自我的10年。作为这10年里最具代表性的中国时装设计师之一，她从一个大胆的文化创意声明开始，慢慢发展出了自己的一套叙事体系，并在这个求快的时尚行业里找到了属于自己的“慢下来”的节奏。

作为一位成长在互联网时代的时装设计师，陈安琪几乎就是为这个时代而生的创作者。

在创作层面，陈安琪有着强烈的个人风格和不断突破自我、推陈出新的决心。这一点，我们可以在回顾她个人品牌所有创作时能明确感受到。正是因为其个人风格的凝聚与演变，她成为与H&M合作的首位中国设计师，也是与其他品牌联名合作最多的中国设计师之一。

ANGEL CHEN2025春夏广告大片

在个人层面上，她有着这个时代所需要的旺盛的分享欲和表达欲，她会事无巨细地将一切有关创作、有关个人思考的故事讲述出来，在满足大众好奇心的同时又进一步补充完整自己的时装叙事。不仅是在社交媒体上，她也会在真人秀《Next in Fashion》等节目里展现出这种珍贵的特质，并将其转化为大众与她的共鸣。

相比起那些视觉上的符号化的呈现，陈安琪的创作更具备一种“游牧精神”。从她在中央圣马丁的毕业系列“Les Noces”开始，对不同文化的游历和体验便成为了她获取灵感的一个主要渠道。尤其是在2022年之后，陈安琪的“游牧之旅”变成了更为直接的实地采风。彼时的她因为品牌迅速扩张，以及应对复杂的商业体系而产生了内耗，于是带领着团队深入国内外的多个地区，并与当地文化深度交流。在这个过程中，她感受到了不同类别的工匠在表达上的独特智慧，也逐渐找到了一条将古今文化交融的创作表达道路。

ANGEL CHEN 2025春夏系列

如今的陈安琪，如同经历过游历期（Rumspringa）的阿米什人一样，在见证、学习、吸收和思考之后，找到了自己的心之所向，用更为真诚的视角讲述着属于自己和自己文化身份的故事。

Q&A

还记得做自己第一个系列的感受吗？现在回过头来看，你会如何评价当时的这个系列？

我第一个系列叫做“春之祭”（The Rite of Spring），非常感谢Labelhood的创始人Tasha为我的这场秀拉来了赞助。我记得那场秀很童趣，因为有很多色彩缤纷的衣服。不过印象最深刻的是，秀后Tasha跟我说一个在洛杉矶特别重要的买手想要看我的衣服，想要做一个Showroom，当时我心里想的是“什么是Showroom？”

现在再看这个系列，我觉得是一个非常棒的开始。它代表着我张扬大胆、无畏的精神，以及初生牛犊不怕虎的冲劲，我觉得非常有能量。当然有很多细节做得很潦草，但是我觉得没关系，它是一个很好的开始。

ANGEL CHEN在这10年里遇到过最大的挑战是什么？

我从2020年开始，参与了很多综艺节目，也与不同品牌展开了很多联名。当然，对于品牌和我个人而言，这都是好事。但慢慢地，我发现自己开始陷入一个疯狂输出、疲于创作的状态。当时我们的团队规模很大，有四十多人，还租着一个1000多平的场地，每天要做很多事情，我觉得忙不过来，很焦虑。到了2022年，这种内耗的状况变得愈发严重了。我就像一块被榨干了的海绵，已经没有更多养分。我觉得自己必须把脚步停下来，从现在的困境中走出去。我需要重新去学习，去吸收更多的养分。这应该是我职业生涯里遇到的最大的挑战，它不是金钱上的挑战，更多是我自己的精神上的挑战。所以我停下来，去思考当时品牌未来的路要怎么样走，才能让自己持续地把这件事情做下去。我在游牧的过程中找到了这个答案，我还是想要做一个顶天立地的中国设计师，我还是想要把中国最好的传统手工艺、最好的面料、最好的中国故事带给大家。

10年前，ANGEL CHEN是因为将东方元素融入街头时装表达而为人所熟知，现在这种表达有发生变化吗？

我觉得发生了很多变化。2016年，我把“天上天下唯我独尊”这样的标语，以及龙、凤和各种各样的非常有符号性、图腾性的东西放在衣服上，当时被很多人看到和喜欢。但现在的我就不太会这么浅显地去运用这些元素。这几年我们花了很多时间去内蒙、川西藏区、青海藏区、云南、贵州，以及广东、苏州和尼泊尔进行深度的探索和采风。我们在这些地方看到了非常多好的非遗文化，也学习了很多真正的传统手工艺。在这个过程中，我们跟当地的手艺人们同吃住，学习技术，并与他们一起共创。通过这种方式做出来的每一件衣服都有手艺人的温度，都有他们的心血，都可以讲出一个故事。虽然速度变慢了，ANGEL CHEN也不能一年做几场秀了，但是这些衣服让我感受到了真正的价值。当我看到它的时候，我会非常自豪地告诉大家，这件衣服的工艺真的是“顶天立地”了。

让我们再畅想一下，10年后的ANGEL CHEN会是什么样的？

我觉得10年后的ANGEL CHEN一定还在路上继续游牧。从曾经的ANGEL CHEN，到如今的ANGEL CHEN2.0，到10年后可能就变成了ANGEL CHEN3.0，但依旧还是那个ANGEL CHEN。

我在这几年的游牧过程中，最为钦佩的就是那些手艺人，因为他们一辈子都只做一件事情，一辈子都在为服装纺织行业默默耕耘。我很希望自己接下来可以把更多这样的手艺人带到秀场上，让更多人看到他们。我也鼓励大家多去看看我们国家的那些工艺和文化，去看看由这些手艺人创造的小天地，我相信一定会让大家感动的。

ANGUS

CHIANG

10年可以改变很多事情，但对于ANGUS CHIANG来说，他在设计和创意上所投射的玩乐之心从未改变。从10年前温哥华时装周的邀请开始，他就一直将“好玩”作为自己创作的核心精神。他像是一个孩子一样，将个人经历、生活细节以丰富的色彩呈现在设计和创意之中。对他来说，创意不仅仅是一种风格，更是一种生活方式。

跳脱的色彩、充满卡通风格的视觉语言，这是ANGUS CHIANG设计给人的第一印象。

在受到温哥华时装周的邀请后，生活在当地的Angus开始了自己正式的时装创作生涯，并打造了个人品牌ANGUS CHIANG。他以“好玩”为自己的创作目的，将带有浓厚个人记忆的创作元素转化为了时装的一部分—都市街头的招牌、超市里的字体配色、商铺店面的视觉装潢，甚至是朋友之间的日常对话，都被他用一种孩童般的视角捕捉，并以原始本真的样貌演绎。

Angus Chiang工作照

我们在Angus的创作中，能够明显感受到那种对于“玩”的热情—它激发出Angus的创造力，也在不断鼓舞着他向更多元的方向发展。正如Angus自己所言：“‘玩’这件事对我来说不是轻浮，而是一种态度。就像小孩玩积木一样—你要专注、要投入，也要有足够的想象力。”

我们很难用一种总结性的语言去概括属于ANGUS CHIANG的10年，但或许Angus自己的答案，早在几年前就已经给出——2021秋冬系列发布前夕，ANGUS CHIANG拍摄了一部名为《Me》的电影短片，用公路电影的形式，讲述了一个关于“相信自己”的故事。影片中，由曾敬骅饰演的魔术社社长带领着团员一同来到旺来乡游玩，希望看到山顶能够实现愿望的巨石“不见日”，并踏上了一场充满魔幻色彩的旅途。在这里，曾敬骅的角色成为了Angus的化身，在奇幻色彩的背后，是对于创作的坚持和面对质疑和挑战的坚定。

ANGUS CHIANG2019春夏系列

ANGUS CHIANG2020秋冬系列

ANGUS CHIANG2020春夏系列

或许对于ANGUS CHIANG来说，玩乐不止，才是他创作的最终奥义。在这种有趣的氛围之中，才能真正拥抱相信自己的力量。

Q&A

ANGUS CHIANG在10年间遇到过最大的挑战是什么？

最大的挑战应该是“平衡”。创作是一回事，经营品牌又是另一回事。从资金、团队、节奏、曝光、合作，每一个环节都需要时间去学习。而且每个阶段的挑战都不一样，早期是“怎么让人知道我们”，中期是“不要被定型”，现在的挑战则是“如何在创意与商业之间保持诚实”。我觉得创作最可怕的不是没人懂，而是为了迎合别人而失去了那份热情。

今年是ANGUS CHIANG十周年，我们也透过活动重新回顾了品牌的初心，像这次我们在社群上发起了“安格斯还在玩”的话题，不只是口号，也是一种态度。我们真的有上街去访问大家“你认识ANGUS CHIANG吗？”过程非常好玩，很多人的回答出乎意料，但也让我重新感受到—其实品牌一直在被不同的人定义，而这就是最迷人的地方。

另外，我们也邀请了过去几年合作过的艺人朋友和品牌伙伴，一起回顾这10年间的合作故事。在那些分享与交流的过程中，我特别有一种被支持的感觉，让我意识到这10年真的不只是我一个人的旅程，更是一群人一起“玩”出来的故事。

你会如何总结ANGUS CHIANG的这10年？

我觉得可以用一句话形容，“还在玩”。这不只是品牌的状态，更是我的人生状态。虽然中间有迷惘也有挫折，但我从来没有停止过想象去创造下一个有趣的东西。能在时尚产业里10年，最难得的不是还有订单，而是我还有热情。这10年让我学会了跟现实共存，也让我更确定创意不只是风格，更是一种生活方式。

ANGUS CHIANG能走到十年，每一步都因为有很多人愿意相信我们。我觉得这份能量比任何东西都珍贵。希望未来我们能继续创造更多有趣的事，继续“玩出生活的可能”。

相比起一个时装品牌，如今的ANGUS CHIANG更像是一个创意机构，这样的转变是如何发生的？

这个转变很自然。我觉得时装只是我生活中的其中一种“语言”，而我一直不觉得自己只是在做“时装”，更是透过时装这个媒介去延伸更多创意的可能。这几年我们做了很多展览、快闪、门店装置、艺术合作、公益项目，品牌慢慢变成这样一个“创意平台”。我喜欢这种自由的状态，因为它让我能用不同方式讲故事，也让我可以和不同领域的人一起玩。不一定是一场秀、一件衣服，也可以是一个空间、一场活动、一个游戏。只要能让人感受到快乐和能量，那就是ANGUS CHIANG。

你觉得现在国内的时装设计环境和10年前比发生了什么样的变化？

变化真的非常大。10年前的设计师要被看见，得靠媒体报导、秀场呈现、买手店售卖，但现在每个人都有自己的平台，社交媒体让影像、内容创作、线上商店变得更即时，设计师可以自己发声，也能被更快地看见。现在的设计师所面对的挑战反而是要在这么多声音里，怎么保持诚实。我觉得设计不只是“流行”，更是“观点”。这个时代的设计师要勇于表达自己的立场，不管是美学、文化还是态度。

如果要给10年前的自己提供一个建议，你会说什么？